Cette chanson de Léonard Cohen est forte et chaleureuse, d'une grande humanité. Elle est pétrie d'empathie pour celui qui passe et continue son chemin car il y a " Une route qui monte derrière sa tête". Celui qui passe ne s'installe nulle part...

Graeme Allwright, né le 7 novembre 1926 à Wellington, est un chanteur, adaptateur de chansons, et auteur-compositeur néo-zélandais

Comédien lors de son arrivée à Londres, puis machiniste, apiculteur, animateur pour enfants, etc., Graeme Allwright ne se tourne que tardivement vers la musique, alors qu'il est installé en France. Remarqué pour ses prestations au fil des cabarets parisiens, il sort son premier album, 'Le Trimardeur', en 1965. Mais ce n'est que trois ans plus tard, avec 'Le Jour de clarté', qu'il acquiert une certaine notoriété sur la scène de la chanson française. Ses textes à messages protestataires remportent rapidement l'adhésion du public soixante-huitard, et créent un engouement qui dépasse le chanteur. Il se lance dans un tour du monde au cours duquel il ne cesse d'enregistrer ses mélodies à tonalité country-folk, imprégnées d'inspirations indiennes, malgaches, puisées au gré de ses voyages. Graeme Allwright contribue également à faire connaître des artistes comme Leonard Cohen ou Malvina Reynolds en adaptant plusieurs de leurs titres. Après une collaboration avec Maxime Leforestier, il revient à la passion de son adolescence néo-zélandaise, le jazz, sur l'opus 'Tant de joies' en 2000. Toujours aussi politiquement engagé, comme en témoigne 'Des inédits... pour le plaisir' (2008), Graeme Allwright continue de parcourir les scènes du monde entier.

Extrait EVENE

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Crédit photos : Graeme Allwright Quimper Fêtes de Cornouailles juillet 2012

Flamenco, flamme vive, flamme sensuelle, flamme incandescente…

Le flamenco est un genre musical et une danse qui se danse seul, créé par le peuple andalou, sur la base d'un folklore populaire issu des diverses cultures qui s'épanouirent au long des siècles en Andalousie. Le flamenco date du XVIII^e siècle.

Le flamenco, selon certains auteurs, trouverait son origine dans trois cultures : arabo-musulmane, juive et andalouse chrétienne. L'origine arabo-musulmane est démontrée. Bien que les conquérants Berbères almohades préconisaient l'orthodoxie religieuse, ils ont emporté avec eux l'art du flamenco. L'origine de cette musique doit aussi être recherchée dans l'ethnologie du peuple qui l'a conservée et transmise, c'est-à-dire le peuple Gitan.  .danse f

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Cet « Ainsi soit-il » ressemble à une prière païenne empreinte de sacré : celui de la Vie, celui de l’Amour. Immenses comme l’Océan. Impétueux comme un torrent. Fous comme les rêves. Enflammés. Intemporels et chers aux cœur de tous les hommes. Précieux. (Thea)

Né le 15 juin 1946, et imprégné dès son enfance d'une double culture grecque et arabe, Demis Roussos, de son vrai nom Artemios Ventouris Roussos, n'a cessé tout au long de sa carrière musicale de revendiquer le métissage de ses influences. Il se fait connaître du grand public pour sa collaboration avec le compositeur Vangelis, qui donne lieu au groupe Aphrodite's Child et à l'enregistrement du tube 'Rain and Tears', en 1968. S'ensuivent trois années particulièrement fastes, lors desquelles les albums et les concerts s’enchaînent au gré de tournées mondiales. Malgré tout, Demis Roussos délaisse la pop symphonique d'Aphrodite's Child pour se lancer dans une carrière solo, inaugurée en 1971 avec l'opus 'Fire and Ice'. Imprévisible et toujours en quête d'originalité, le chanteur parvient à renouveler son style au fil de sa discographie, chantée par ailleurs dans des langues toujours différentes. De 'Insight' en 1993, comprenant une surprenante version rap du poème 'Spleen' de Baudelaire, à 'Mon île' en 1997, aux sonorités orientales, en passant par ‘Demis’ en 2009, qui évoque autant son premier groupe Aphrodite’s Child que le revival soul-rock britannique d’aujourd’hui, Demis Roussos apparaît comme un véritable caméléon de la variété internationale.

D’après EVENE

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Sait-on ce que cachent les murs des belles et grandes demeures comme celle occupée par Robin Williams et son épouse ? Le geste désespéré de l’acteur nous interroge.

Robin Williams, Le Cercle des poètes disparus (1989), écrit par Tom Schulman

Ce « Ô capitaine ! mon capitaine» *enjoignait ses élèves de profiter de la vie avec la devise carpe diem, qui a résonné pour toujours aux oreilles de tous ceux qui ont vu ce film à la fin tragique.

Robin William  a tout joué : un père travesti en nounou excentrique, un DJ militaire irrévérencieux, un professeur de littérature rebelle, un tueur... Robin Williams a joué pendant quarante ans en virtuose toute la partition du rire aux larmes jusqu'à être emporté par ses démons.

Né à Chicago en 1951, Robin Williams racontait qu'il était un garçon timide qui pouvait faire rire sa mère en imitant sa grand-mère. Il est devenu plus ouvert à l'école secondaire quand il s'est inscrit dans une troupe de théâtre. Il a été accepté à l'académie Julliard où il a suivi plusieurs cours avec un seul autre élève, Christopher Reeve. Leur professeur était John Houseman qui l'a encouragé à devenir comédien.

Pour Robin Williams, la vie ressemblait à ses séances quotidiennes de course sur le pont Golden Gate. (...) Il était toujours intense en entrevue. En 1989, au cours d'un entretien avec l'Associated Press, il pouvait à peine rester assis. Il n'a pratiquement pas parlé du film dont il devait assurer la promotion, préférant discuter des liens entre la comédie et l'univers.

Avec son regard perçant et un visage à l'impressionnante plasticité, semblant toujours en équilibre instable entre le rire et les larmes, le comédien a exploré tout le registre des émotions humaines.

Il était connu pour sa capacité unique à imiter les accents et à modifier sa voix, qu'il a prêté au génie dans l'Aladdin de Disney, ou qu'il hurle dans son micro de DJ son inoubliable «Gooooooood morning Vietnammmmmm!», alors qu'il incarnait un militaire rebelle dans le film de Barry Levinson

Ce qu'est Williams ne peut disparaître, il avait conscience que son destin dépassait sa propre personne. Il a été le porte-voix et la conscience de toute une époque. Un lion ne meurt jamais, il dort.

Une sombre histoire d’amour, une tragédie portée par une très belle voix.

Mecano était un groupe espagnol de musique pop formé en 1979, composé de Ana Torroja (chanteuse) et des frères Nacho et José María Cano (guitaristes et compositeurs). La chanteuse maîtrise aussi bien l'espagnol que le français Originaire de Madrid, le groupe a choisi son nom en référence au jeu de construction Meccano. C'est un groupe phare de la pop espagnole, lancé au moment de la movida des années 80. Artistes de référence en Espagne, le groupe a aussi connu le succès en Amérique Latine et en France .

Wikipédia

Le groupe se sépare en 1998

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« Là où le conscient et l’inconscient se rencontrent »

Carl Jung

Ravenne dissimule des joyaux derrière ses murs tout de simplicité et de sobriété. Elle se laisse découvrir et apprécier.

« Ravenne conserve le charme qu’elle avait en tant que capitale de l'Empire Occidental. Unique au monde, elle nopus offre d'inestimables bijoux d'architecture témoignant du passage de l'art paléochrétien, de dérivation classique, à l'art byzantin, comme le complexe de Saint-Vital, le mausolée de Galla Placidia et celui de Théodoric, Saint-Apollinaire et le Baptistère Néonien, finement décorés de mosaïques. L'attrait est tellement énorme que même Carl Gustav Jung, l'un des fondateurs de la psychologie moderne, se sentit désorienté face aux représentations. Lors de sa visite au Baptistère Néonien, il a affirmé avoir eu une sorte d'hallucination ».

youtube

« Paisible ville d’allure provinciale, Ravenne a conservé, à l’intérieur de constructions à l’architecture sobre, d’éblouissants trésors accumulés quand elle fut capitale de l’Empire d’Occident, puis siège d’un exarchat byzantin : les mosaïques. Elles couvrent les murs des édifices religieux de Ravenne et composent un ensemble éblouissant par l’éclat des couleurs, la richesse du décor et le puissant symbolisme, évocateur d’une grande spiritualité »

voyage.michelin.fr/web/destination/Italie-Italie_du_Nord-Ravenne

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crédit photos : italia.it/ verslecentre.com/clio.fr/(mosaïques byzantines) cathovenelles.fr

Merci à Bygotte Events et Matthieu pour la vidéo.
Merci à la charmante guide qui a su nous expliquer la démarche de l'artiste et nous a permis d'avoir une vue d'ensemble du vestibule depuis les vitres de la salle Molière. 

Chaque été le Voyage à Nantes nous réserve des surprises artistiques. Cette année, il se décline du 27 juin au 31 août :  il suffit de suivre le Fil Vert (photo 2)  tracé au sol. C’est ce que j’ai fait. Ainsi  ai-je  découvert le Théâtre Graslin revêtu de son nouvel habit très coloré par Elsa Tomkowiak. Ces longues « bandes » de couleurs qui s’entrecroisent, palpitent et jouent avec la lumière et le soleil insufflent une seconde vie à la façade et au vestibule de tuffeau blanc du Théâtre Graslin. C’est léger et vivant. Sorte de kaléidoscope géant qui crée de nouvelles formes et accentue le blanc de la voûte du théâtre Graslin qui lui-même valorise les couleurs dont le relief et les nuances sont donnés par le matériau utilisé : un balai brosse.

Je ne sais pourquoi ces "bandes" me font penser au Népal dont les façades des maisons sont souvent décorées de tissus très colorés.

Elsa Tomkowiak est née en 1981 à Saint Vallier.

Arrivée à Nantes en 2007, l’artiste est vite devenue une des figures majeures de la scène artistique. Obsédée par la couleur, elle la déploie sur une multitude de supports. Sur son corps d’abord, de manière quotidienne, par le truchement du maquillage. Dans l’architecture surtout, où elle procède à une partition des espaces qui l’accueillent par une succession de strates composées de grands aplats de couleur. Utilisant souvent des matières plastiques, elle les macule à grands coups de pinceaux pour trouver des qualités de transparence ou d’opacité qui redessinent les volumes. Habituée à intervenir dans des espaces en friche, cette artiste se voit aujourd’hui offrir un tout autre cadre. C’est le vestibule du théâtre qui a attiré l’attention d’Elsa Tomkowiak. Lieu intermédiaire entre la place publique et la scène, il fait pour elle office de miroir : la place prend la forme d’une scène lorsqu’elle est vue de l’intérieur. L’artiste double ce miroir grâce à une installation chromatique qui crée une déambulation inédite dans le théâtre. Outre les grands aplats de couleur, elle développe pour l’occasion un ensemble de techniques non encore explorées, donnant l’illusion que la couleur s’échappe pour gagner la place.

www.levoyageanantes.fr/fr/le-parcours/elsa-tomkowiak/

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Crédit photos personnelles

Le titre dément les paroles des couplets. Il est léger et nous évoque de paisibles soirées estivales en famille ou entre amis. Seulement il s’agit d’un soir guindé  « sous le lustre à facettes » dans les salons d’une sous-préfecture aux « fenêtres ouvertes » sur des « terrasses brouillées » où s’ennuient des invités repus… dans une ville qui s’ennuie « De n'être pas un port ».

C’est le Brel corrosif que nous connaissons avec sa dent dure et ses coups de griffes.

© Thea

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crédit photos : modernists.fr/ innervee.net/ClipZik  

Félix Leclerc aurait eu 100 ans le 2 août. Il ne les fêtera pas mais ses chansons demeurent et nous parlent toujours. Avec des mots intenses et simples, des mots d’humanité.

 "Jamais selon nous, écrit Danielle Tremblay, une chanson n'a-t-elle révélé avec autant d'acuité le paradoxe de Félix en tant qu'écrivain et compositeur. Cette chanson peut se décrire comme une fantaisie noire, un petit opéra du pauvre, une fausse ballade pastorale. Beaucoup de ses chansons se déchiffrent ainsi à plusieurs niveaux. La dynamique entre la musique guillerette et le texte hautement mélancolique, et même déchirant, nous présente un Félix Leclerc en proie au doute, un artiste en questionnement profond sur les valeurs qui l'habitent. Le jeu de guitare excentrique de Félix a été comparé à celui du musicien français d'origine gitane Django Reinhart."

Félix Leclerc (02 08 2014- 08 08 1988). Une enfance  heureuse au milieu de dix frères et sœurs. Etudes classiques à Ottawa en 1928. Ce premier déchirement et les longs moments de solitude au pensionnat ont contribué à développer l'esprit rêveur et créateur du jeune homme. Entre 1934 et 1950, Leclerc s'éparpille dans différents domaines de création culturelle. Il s'impose surtout à la radio où il met à profit ses talents d'écrivain dans des radioromans et des contes lus à la radio qu'il publiera plus tard : Adagio (1943), Allegro et Andante (1944). Il commence à se produire comme chansonnier à la fin des années 40 mais il n'a encore qu'un public restreint. Ses chansons de la nature n'intéressent pas les citadins qui veulent à tout prix se dissocier de l'image du colon canadien. En 1950, Jacques Normand fait entendre à l 'imprésario français Jacques Canetti un enregistrement de la chanson Le train du Nord. Il est accueilli en roi à son retour au Québec : la chanson québécoise venait de gagner ses premières lettres de noblesse grâce à lui. En 1951, on le considère déjà comme un grand de la chanson et il suscite l'admiration de jeunes lièvres tels que Jacques Brel et Georges Brassens. Il enregistrera encore quelques albums mais dès les années 70, le poids des années commence à se faire sentir et des problèmes de santé le retiennent dans sa retraite paisible à l'île d'Orléans.

EVENE

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Photos : chartsinfrance.net/ friendship-first.com/ pierdelune.com/ memoirechante.wordpress.com/ rcinet.ca/ carnetjpr.com

Qui n’a pas rêvé, un jour, d’être un oiseau blanc qui survole les montagnes et les océans. Un oiseau épris et enivré  de liberté qui se laisse porter par les vents et le silence. ? Serge PACE, un internaute,  a vécu ces moments magiques et indicibles. Il nous présente, dit-il, « un diaporama que j’ai réalisé en fractales de synthèse et qui vous transportera à bord d’un planeur virtuel au sein du massif du Vercors comme je le faisais jadis à bord de ces chers planeurs depuis le Centre de Vol à Voile de Valence » Qu’il en soit remercié.

La beauté de ces massifs, de ces crêtes, et de ces gorges profondes,  de ces falaises  et de ces flancs imposants méritent que nous les regardions avec amour et  respect. C’est avec justesse que ce massif est surnommé Forteresse comme le précise Wikipédia.

« Le massif du Vercors est un massif montagneux des Préalpes, à cheval sur les départements français de l'Isère et de la Drôme, culminant à 2 341 mètres d'altitude au Grand Veymont. Sa nature géologique principalement calcaire offre un relief fait de falaises, de crêtes, de vaux, de gorges, plus complexe que le qualificatif de « plateau » pourrait le laisser supposer. De ce fait, il est divisé en plusieurs régions géographiquement et historiquement distinctes : les Quatre Montagnes, les Coulmes, le Vercors Drômois, les Hauts-Plateaux et, en piémont, le Royans, la Gervanne, le Diois et le Trièves. Le surnom de « Forteresse » lui a par ailleurs été associé.

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